Juanjo Domínguez - Latinoamericano - 1996

Juanjo Domínguez es un guitarrista argentino nacido en la ciudad de Junín en la provincia de Buenos Aires, el 23 de octubre de 1951. Su repertorio es mayormente de música popular.

A los cinco años tuvo su primer contacto con el instrumento; su padre lo inscribió en la Academia Oliva de Lanús. A los doce años se recibió como profesor de guitarra, solfeo y teoría. Gracias a un beca pudo estudiar en el Conservatorio Julián Aguirre de Lomas de Zamora bajo la tutela de María Angélica Funes (discípula de María Luisa Anido). Cuando Juanjo tenía quince años dejó sus estudios clásicos y se decantó por la guitarra popular. Empezó a acompañar cantantes de tango de esa época (Alberto Morán, Alberto Echagüe, Podestá, Ernesto Laborde). Además tocaba con un trío melódico llamado Los Antonios, el cual interpretaba valses peruanos y boleros, acompañando al cantante Bienvenido Carlo. También tuvo el privilegio de desempeñarse musicalmente junto a María Graña, Ada Falcón, el Chango Nieto, María Marta Serra Lima, Horacio Guaraní, Mario Manzanero y Roberto "El Polaco" Goyeneche. Sobre sus dotes interpretativos, declara la maestra María Luisa Anido: "Es indudable que se trata de un guitarrista fuera de serie y que confirma el juicio que emitiera el gran Berlioz al decir que la guitarra es una orquesta en miniatura, ya que Juanjo Domínguez logra sorprendentes efectos orquestales con sus escalas de trémolos dobles de vertiginoso vuelo musical y logra que se recuerde siempre el mencionado juicio de Berlioz".

Juanjo es un verdadero virtuoso de la guitarra. Sus escalas dobles, sus trémolos en tres cuerdas (inventados por él mismo cuando al estudiar "Recuerdos de la Alhambra" del maestro Tárrega le parecía que efectuando el trémolo en una sola cuerda se limitaba el sonido), su velocidad comparable con la de un instrumento de arco y su alto nivel de improvisación lo convierten en un guitarrista único. Declara haber tomado su inspiración del célebre homólogo paraguayo Agustín Pío Barrios Mangoré. Este era también un notable improvisador (como todos los grandes músicos de la antigüedad) y fue un "molde" para la construcción de su técnica.

Ha grabado cientotreinta compactos acompañando cantantes de diversas nacionalidades y veinticuatro discos como solista yendo desde el jazz hasta la música argentina (tangos, milongas, zambas y valses criollos). Confiesa haber terminado con su paso por los estudios discográficos como solista. En conclusión, como dijo Lalo Schifrin: "Quien hable de guitarras y de talento no debe omitir a Juanjo Domínguez".

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01 Danza paraguaya 00:02:50
02 Un caballero 00:02:06
03 La de Frías 00:02:21
04 Cachorrito 00:03:34
05 Virginia 00:01:34
06 Kilómetro 11 00:01:57
07 El totumo de guarenas 00:01:37
08 Extraña nostalgia 00:03:40
09 Odeón 00:02:08
10 Melodía larga 00:03:43
11 Aquel señor 00:02:11
12 Estrellita 00:02:54
13 El 05 00:01:50
14 La compañera 00:03:17
15 La flor de la canela 00:03:59
16 La comparsa 00:03:30
17 El Marabino / María Luisa / Vals Nº 1 / Vals Nº 2 00:03:26
18 Volver / Golondrinas 00:04:14
19 Por una cabeza 00:02:41
20 La catedral 00:03:48

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Michael Romeo - The Dark Chapter

Michael Romeo began playing guitar at the tender age of 14. Taking his influences from many sources including Steve Vai, Al DiMeola, Yngwie Malmsteen, JS Bach, John Williams and Frank Zappa, at the age of 19, he was one of the finalists of the nation-wide "Sam Ash Music Store" guitar contest. He wrote and recorded his debut solo album in 1994 entitled The Dark Chapter which features an ambitious reworking of Paganini's Concerto in B Minor - arranged for the guitar by Romeo himself. Not only did he play the majority of all the instruments on the album, he also engineered, mixed and produced the album showcasing his versatile abilities in the studio. Romeo is an incredibly accomplished player drawing on a neo-classical style reminiscent of Yngwie Malmsteen while retaining his own identifiable signature that sets him apart from other players in this genre. He has received major coverage in many of the guitar magazines around the world and is best known for his role as lead guitarist in Symphony X. Instrumental Guitar (Electric (Heavy)/Neo-Classical Metal/Shred), total running time, 42:46

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1. Carpathia 02:08

2. Cask of Amontillado 05:07

3. Psychotic Episode 04:00

4. Masque of the Red Death 07:01

5. Sevil Alucard 05:10

6. The Premature Burial 06:19

7. MJF #13 07:15

8. Paganini - Concerto in B Minor 02:35

9. Noit Al Ever 03:08

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Quilapayún - Santa Maria de Iquique

La «Cantata de Santa María de Iquique» es una cantata compuesta por el músico chileno Luis Advis hacia fines de 1969 e interpretada principalmente por el grupo Quilapayún. La obra musical está compuesta por dieciocho partes, incluyendo cinco relatos de Héctor Duvauchelle, en que se narran los sucesos de la Matanza de la Escuela Santa María, ocurrida el 21 de diciembre de 1907 en la ciudad de Iquique, en el norte de Chile, y perpetrada por el general Roberto Silva Renard, en el gobierno del presidente Pedro Montt.

La Cantata Popular, como también se denomina, es considerada como una de las obras cumbres de la llamada Nueva Canción Chilena que se desarrolló desde fines de los Años 1960 y los Años 1970. La cantata mezcla elementos de la música folclórica con otros de la música docta y religiosa.

Durante los primeros meses de 1968, el compositor Luis Advis visitó la ciudad de Iquique, en el norte de Chile, y tras la visita escribió una serie de veinte poemas. A fines de ese mismo año, el Instituto de Teatro de la Universidad de Chile comenzó a preparar una obra de Isidora Aguirre denominada Los que van quedando en el camino, cuyo argumento giraba en torno a una matanza de campesinos. La institución solicitó la ayuda de Advis para dicho estreno, tras lo cual intentó mezclar ambas temáticas. En 1969, Luis Advis comenzó a preparar la obra basada en la Matanza de la Escuela Santa María de Iquique, ocurrida el 21 de diciembre de 1907, donde más de un millar de obreros de las oficinas salitreras fueron asesinados por el Ejército de Chile durante una protesta. Advis inspiró su creación en la obra Reseña Histórica de Tarapacá, que le sirvió para la recopilación de los datos históricos.

Ese mismo año, Advis conoció al conjunto Quilapayún, con quienes trabajó a comienzos de 1970 luego de que el cantante Eduardo Carrasco les solicitó realizar arreglos a unas canciones de la cantante griega Danae. Ese día, Advis les presentó parte del material en que estaba trabajando, entusiasmando al grupo folclórico. Con el paso de los meses, Quilapayún y Luis Advis prepararon acuciosamente la cantata. En marzo de 1970 fue terminada su composición y fue presentada por primera vez en el Teatro La Reforma durante el mes de julio.

La «Cantata Popular Santa María de Iquique» fue estrenada oficialmente durante el Segundo Festival de la Nueva Canción Chilena, realizado en agosto de 1970 en el Estadio Chile de Santiago. En dicha oportunidad, los relatos fueron narrados por el actor Marcelo Romo, aunque en la grabación realizada unos meses después para el sello DICAP fue registrada la voz de Héctor Duvauchelle, la versión más conocida de dichos relatos. Posteriormente, Roberto Parada pondría la voz de los relatos históricos de la cantata.

La Cantata de Santa María fue una de las principales composiciones musicales de la Nueva Canción Chilena y rápidamente se convirtió en un emblema de los grupos militantes de la Unidad Popular, la coalición política de izquierda que llevó a la Presidencia a Salvador Allende en septiembre de 1970. A pesar de ello, Luis Advis se declaraba como no militante de ningún partido político.

Por la gran carga política que contenía, las copias de la Cantata fueron requisadas y destruidas con la instauración del Régimen Militar, instalado en el poder tras el golpe de estado del 11 de septiembre de 1973 que derrocó a Allende. Quilapayún debió partir al exilio a Europa, donde grabó nuevamente la composición. En 1978, la obra es modificada por el escritor argentino Julio Cortázar, para disgusto de Advis. El compositor mencionó alguna vez a la prensa: "No me gusta que corrijan mis textos sin preguntarme, además que en ninguna parte yo uso la palabra pueblo como la usa Cortázar. Estaba tan molesto con ese señor que le iba a escribir una carta, pero no lo hice porque al mes siguiente murió." Quilapayún grabó dos veces la composición de Cortázar, pero posteriormente continuó interpretando la obra original.

Con el retorno de la democracia, Quilapayún regresa a Chile. El 1 de noviembre de 1997, en un histórico concierto, Quilapayún interpretó la Cantata en la oficina salitrera Santa Laura, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. En el concierto participaron Daniel Valladares, Rodolfo Parada, Patricio Wang, Hugo Lagos, Guillermo García y Hernán Gómez como miembros de Quilapayún, más la chelista Gabriela Olivares y Héctor Noguera como relator. En 1999, la división gubernamental de Cultura y la SCD publicaron una colección de partituras de canciones chilenas, donde incluyeron la Cantata.

En 2007, en la conmemoración del centenario de la matanza que dio origen a la cantanta, se lanzaron varias nuevas interpretaciones de la obra. Entre ellas destacaron la Cantata Rock realizada por la banda chilena Chancho en Piedra y la versión para cuerdas del Cuarteto Strappa que fue presentada en Canadá el mismo año.

En abril de 2008, la edición chilena de la revista Rolling Stone colocó a la Cantata en el cuarto lugar dentro de los 50 mejores discos chilenos.

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José Larralde - Como yo lo siento

Lista de temas
Tema Duración
2 Milonga del solitario
3 Pa' uste' 4:35
4 Como yo lo siento
5 Milonga de tiro largo
6 De guri soñaba 4:00
8 Domingo de agua 4:11
9 La Paseandera 2:06
10 Lo juro 2:11
11 Pobre viejo 2:48
12 Por eso 2:46
13 Amigo 2:43
14 Cosas que pasan 5:02
15 Mesmo que el hornero 2:38

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Cuti y Roberto Carabajal - Familiarmente

1. Entre a mi pago sin golpear		2. Vuelvo a amarte mi pueblo
	3. Padre		4. Cosas que he vivido
	5. Cuando me abandone el alma		6. Si andas por mi tierra
	7. Penas y alegrías del amor		8. Parece mentira
	9. Así quedó mi amor		10. Tradiciones santiagueñas
	11. Madre de chacareras		12. Domingos santiagueños
	13. El duende de la amistad		14. Pensando en voz alta
	15. Este gato es un jueguito		16. A Doña Luisa Carabajal
	17. Santiago al sur Bajar: http://www.megaupload.com/?d=AQAH9PLV

Whitesnake - The Last Farewell (Buenos Aires 13.12.97)

Whitesnake - The Last Farewell
Buenos Aires, Argentina
December 13th, 1997

Tracks:
1) Walking In The Shadow Of The Blues
2) Give Me All Your Love
3) Love Ain’t No Stranger
4) Too Many Tears
5) Ready & Willing
6) Lovehunter/Slow & Easy
7) Is This Love?
8) Restless Heart/Don’t Break My Heart Again
9) Fool For Your Loving
10) Here I Go Again
11) Still Of The Night
12) Soldier Of Fortune

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Whitesnake - Night in Michigan (Live 29 - 07 - 87)

1.DESPUES DE TODOS ESTOS AÑOS......COMO ASÍ TU DECIDISTE SACAR UN NUEVO DISCO DE WHITESNAKE?

Fue una sincronicidad de muchos elementos positivos dándose juntos a través de los últimos cuatro años. A finales del 2002, me pidieron armar una banda para un tour celebrando los 25 años de Whitesnake en el 2003. Y, para ser honesto, no tenía planes en ese entonces de llevar aquello más allá de unos cuantos meses. Así que para el tour armé una banda excitante llena de ejecutantes que me hubieran impresionado como músicos y como personas. Fui directo con ellos desde el principio, diciéndoles que todo sería sólo por unos meses, y todos estuvieron bien con eso. Pero creo que ellos sabían algo que yo no. De cualquier manera, mientras trabajábamos esta increíble banda que me empujaba a cantar e interpretar con una frescura y vitalidad que había olvidado, y por supuesto que me deleitaba con volver a interpretar de nuevo. Otro elemento fue nuestro éxito en conciertos donde fuera que tocáramos. Y yo no paraba de estar asombrado de cuan bien nuestras canciones habían quedado guardadas en el corazón de la gente todos estos años. El otro elemento fue una excelente compañía de discos llamada SPV, que consistentemente me persiguió con un entusiasmo que pensé que ya no existía más en el negocio de la música, con la idea de volver a grabar, cuando yo pensaba seriamente que la fiesta ya había terminado. Son personas genuinas y buenas que aman la música, y yo pensé que era demasiado bueno para ser verdad. También, y muy importante, mis muy activos, y muy elocuentes, miembros de mi website me presionaban consistentemente por tres proyectos: un DVD de un concierto, un álbum de grandes éxitos en vivo y un nuevo disco de estudio con canciones nuevas. Ahora, en el 2008, celebrando el 30 aniversario de Whitesnake con el disco “Good to be Bad”, estoy muy feliz de decir que, de hecho, satisfice todas sus peticiones. Bueno, más exactamente, demandas. Y, obviamente, el otro factor motivante es que, en los viejos días, salía de tour una vez cada tres años, así que mis canciones más antiguas se mantenían frescas en concierto. Ahora estoy girando, prácticamente, cada año y me he dado cuenta de que debo escarbar muchísimo más profundo para encontrar la inspiración para interpretar algunas de las canciones con el fuego necesario, la pasión e intensidad que necesitan. Y pensé que, si yo me sentía así, es muy probable que el público se sienta igual. Así que era tiempo, de verdad, de que nosotros diéramos un nuevo material de Whitesnake para meterle nuestros dientes a éste, y llevar nuestro juego a otro nivel.

2.CUAL ES LA MAS IMPORTANTE DIFERENCIA CON RELACIÓN AL ULTIMO DISCO DE ESTUDIO DE WHITESNAKE, VES ALGUNA DIFERENCIA?

Sí, siento una diferencia. Siento que el último disco oficial de Whitesnake, “Restless Heart”, fue más un disco solista de David Coverdale, porque así es como lo comencé. Después de trabajar con Jimmy Page en el “Coverdale/Page”, mi manager de ese entonces y yo pensamos que debíamos intentar y trabajar sobre mi propio nombre. También los poderes que regían EMI en ese entonces sentían lo mismo. Y, claro, luego ellos se fueron y los nuevos ejecutivos de EMI insistieron en que cambiara el disco a uno de Whitesnake contra mi voluntad; pero contractualmente ellos tenían el poder de hacer eso. Bueno, con EMI constantemente tenía que volverme a presentar ante nuevos jefes que no tenían le menor idea de quién era yo, ni de lo que había hecho. De cualquier forma, siento que “Good to be Bad” es un disco de Whitesnake de principio a fin. Es una pieza de trabajo mucho más lleno de bolas, electrificante y “en tu cara”. Sí, diría que es un disco de Whitesnake.

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